ENTREVISTA | ROSY FINCH: INTENSA INTROSPECCIÓN MONOCROMÁTICA


Foto: Fan Fatal Studio & Amanda Tijeras.

“Un disco es un pintura hecha con sonido”. Probablemente habrán escuchado variaciones de esta frase antes. Por más cliché que pueda sonar, hay casos en que es una buena descripción. Uno de esos casos es “Scarlet”, último flamante disco de Rosy Finch, banda oriunda de Alicante, España. Su sonido oscila entre grunge, doom y sludge, y si bien ya conocíamos la banda, nos pareció que esta era una buena oportunidad para contactarlos. Quien responde nuestra llamada es Mireia Porto, cantante y guitarrista, para que nos cuente más los detalles de este nuevo disco lanzado en plena cuarentena internacional y la actualidad de la banda. | Por Leo Díaz.



—“Scarlet” es más pesado que su anterior trabajo “Witchboro” (sin contar el acústico “The Sunset Acoustic Sessions”). Hace justicia a lo que adelanta su descripción en bandcamp “…más pesado y más sludge que los lanzamientos previos…”, ¿qué los llevó en esa dirección compositiva?
—Supongo que hacía ya tiempo que tenía muchas ganas de componer música más dura. Hace muchos años tuve un proyecto de metal más duro y la temporada que estuve tocando en Hela hizo que reviviera esa época más pesada, la cual ha querido quedarse en las nuevas composiciones. Lo que quiero decir es que la nostalgia me ha podido y he decidido continuar por ese camino más oscuro en Rosy Finch.

—Cada canción del álbum lleva el nombre de elementos que presentan distintas tonalidades de rojo (“Amaranto”, “Ruby”, “Dark Cherry”, etc). ¿Nos podés contar un poco más de este concepto y qué representa?
—Para mí el color rojo y su significado siempre ha tenido un papel muy importante en mi vida. Necesitaba plasmar esa importancia en la música y vi una oportunidad muy especial para hacerlo con el nuevo disco. El rojo siempre ha representado, en términos generales, el peligro, la lujuria, el amor, la pasión, la sangre. Puede dar forma a significados muy opuestos. Puedes viajar desde el amor a la violencia, como dice la frase inscrita en el diseño del interior del disco: “From Love to Violence”. Le di letra y música a un tono de rojo en cada título del disco. Todos están ligados con sus respectivas letras, algunas son metafóricas y otras pertenecen a algunos episodios reales sobre etapas de mi vida, desde mi época adolescente hasta el presente. Son letras bastante personales y narran historias que me han hecho mucho daño, donde aparecen personas o hechos dolorosos o simplemente son momentos que tenían que salir para no volver. Dicen que lo malo hay que expulsarlo y digamos que “Scarlet” ha jugado un poco ese papel en mí.

—La masterización de “Scarlet” estuvo a cargo de Billy Anderson, ya conocido por trabajar con Cattle Decapitation, Sick of it All, Mr. Bungle, entre muchos otros. ¿Por qué decidieron trabajar con él para este álbum?
—Billy Anderson es una leyenda de los 90’s y me gustan muchos de sus trabajos, sobre todo los que ha hecho con Melvins, Arabrot o Acid King. Creo que acerté totalmente en elegirle para la elaboración del máster de “Scarlet” porque nuestra música se acerca mucho a los estilos de rock que él controla, y buscaba esa suciedad en el máster final. Ha sido un disco grabado en 2019 que suena a los 90’s y estoy muy contenta con el resultado, aparte de que es un tío súper humilde que nos trató de maravilla y se notó mucho que le gusta su trabajo y lo que hace.

—Al igual que en “Witchboro”, incluyeron algunas canciones en español (“Amaranto” y “Alizarina”) ¿En qué idioma prefieren componer? ¿Tienen intenciones de componer todo en un único idioma?
—La mayoría de los temas están en inglés porque aunque no sea nuestra lengua materna, nuestro estilo musical se nutre en un 90% de las bandas de habla inglesa de los 90’s, y en cuanto a sonoridad siempre hemos preferido el inglés al castellano porque realmente a mí me resulta mucho más difícil el castellano para componer en este estilo. Hay muchas bandas de habla hispana que me alucinan como Los Natas, Los Ganjas, Viaje a 800, Habitar la Mar, Árida, que suenan en español y alucino con cómo sus composiciones casan de puta madre con sus letras. A mí personalmente me parece muy difícil que las composiciones de Rosy suenen bien en castellano. Aún así, las pocas canciones que tenemos en castellano creo que gustan mucho al público y la verdad es que es una faceta que me gustaría explorar más y mejor, así que habrán más en un futuro.

—Ya tienen una base de seguidores y reconocimiento en el extranjero, y no sólo en países hispanohablantes. Más allá de las reviews positivas de sitios especializados, ¿qué respuesta han recibido de parte de sus seguidores para este disco?
—En general, está siendo todo muy, muy positivo. Después de tanto tiempo trabajando en este disco, que los resultados hayan gustado tanto es algo que me llena más de lo que puedo expresar, de verdad. Ha sido un trabajo con muchas complicaciones durante la composición, durante la grabación y durante el lanzamiento (después de todos los esfuerzos, va y nos pilla el lanzamiento en plena pandemia). Se ha cambiado de formación, de estilo, de forma de componer. Han habido muchos cambios pero creo que todos han sido a mejor, para el bien del disco y de la banda, y creo que la gente lo está notando. La gente dice que cuando se pone el disco viaja a los 90’s, que les da mucha nostalgia, y esto de verdad es totalmente lo que quería conseguir con el sonido de “Scarlet”. Está gustando mucho en USA; de hecho, la mayoría de las ventas han sido allí, con lo cual supongo que el disco tiene un sonido más “americano” que el anterior y eso ha abierto la puerta para Rosy Finch a más público.


 "Para mí el color rojo y su significado siempre ha tenido un papel muy importante en mi vida. Necesitaba plasmar esa importancia en la música  y vi una oportunidad muy especial para hacerlo con el nuevo disco". 

Arte y diseño: Von Klang y Mireia Porto. Fotografía: Fátima Ruiz.

—Al igual que con “Wichtboro”, han editado “Scarlet” en CD (Discos Macarras y La Rubia Producciones), en formato vinilo (Laybare Recordings) e incluso en cassette (Spinda Records). Estamos en una época en que los formatos físicos han perdido terreno ante lo digital, ¿cómo es para una banda independiente seguir lanzando material físico?
—A mi parecer no creo que el físico haya perdido terreno, en cuanto a la gente que le gusta de verdad coleccionar discos y música. Por ejemplo, el vinilo ha remontado y se vende mucho más ahora que hace unos años. El cassette ha vuelto para quedarse también; a nosotros se nos han agotado ambos formatos en pocos meses. De todas formas, es gracias a la ayuda de los sellos que has mencionado que trabajan con nosotros en los formatos físicos, y sin ellos nos habría sido muy duro poder lanzarlos. Creo que el formato físico hoy en día, y más en el estilo tan de los 90’s que lleva nuestra banda, es fundamental. A mí personalmente me encanta comprar los trabajos en físico de las bandas que me gustan. Me gusta que la música pueda también disfrutarse con todos los sentidos, no solo el del oído.

—Durante la grabación de “Scarlet”, Elena García (bajo) y Lluís Mas (batería) dejaron la banda, ¿por qué motivos?
—Durante la grabación, hace ya más de un año, Elena abandonó la banda, quedando pendiente cosas por terminar. Lluís la dejó medio año después, justo antes de lanzar el disco. Él y yo terminamos la grabación y la producción de "Scarlet". Aclaro esto porque me preguntan mucho y hay muchas dudas sobre quien grabo qué y cuándo. En los créditos de “Scarlet” lo pone todo claro. Ambos lo dejaron por motivos personales, después de 10 años tocando juntos, ellos decidieron tomar caminos diferentes. Lanzar un nuevo disco, con todo el trabajo que conlleva, es duro y hace falta tirar de tiempo personal, de esfuerzo y de compromiso extra, y por supuesto cada uno es libre de decidir en qué usar su tiempo. De todas formas, los años que hemos pasado juntos tocando, los momentos y los trabajos que hemos hecho han sido y serán siempre muy importantes para mí y por supuesto les he echado mucho de menos en esta transición, pero yo decidí continuar con el proyecto y seguir adelante con la banda, y así ha sido. Para mí ha sido importante renovarme tanto musicalmente como mentalmente para poder seguir mi camino que básicamente es el que siempre he querido y luchado desde que comencé el proyecto; tocar y seguir sacando música en Rosy Finch.

—Rosy Finch ha estado tocando hace casi 7 años, ¿sentís que haya cambiado algo en la “escena” española desde que sacaron “Wolves Waiting”?
—Ha cambiado mucho y más va a cambiar. Han surgido muchísimas bandas y, hasta hace poco, cada vez había más festivales de música y la escena underground estaba creciendo muy bien...hasta ahora. Creo que con el Covid todo va a frenarse en seco, vamos a tener que adaptarnos a las circunstancias y a tener que crear nuevos medios para lanzar nuestra música en directo. Han nacido muchas bandas en estos años a nivel internacional y de las que estoy súper orgullosa como Grajo o Bala. Cada vez hay más abanico de estilos en España y tengo la esperanza de que se reconozcan muchas más, pero tenemos que hacer el esfuerzo de mantener la cultura a flote con la crisis tan dura que nos espera.

—Mireia, trabajás como enfermera. ¿Cómo manejás los tiempos para tocar en Rosy Finch y encargarte de tus otras ocupaciones?
—Por suerte, mi trabajo a pesar de ser bastante duro en cuanto a horarios y vivencias, nunca he tenido ningún problema en poder afrontar los bolos de la banda. Tengo mucha suerte ya que puedo cambiar turnos siempre que sea necesario y tengo unos compañeros estupendos que saben lo de mi banda y siempre están dispuestos a echarme un cable. Mi vida ahora mismo se centra en la música y en la enfermería. No sé si eso cambiará algún día pero por ahora es lo que tiene mi tiempo ocupado al 100%.

—¿Cómo es hacer música para una banda independiente? ¿Creen que actualmente es posible para una banda autogestionarse?
—Nosotros no vivimos de la música, cada uno tiene sus respectivos curros (y menos mal, dado el panorama actual), por lo que todos los beneficios que sacamos de las ventas de Rosy Finch vuelven a utilizarse para gestionar la banda con más merch, gastos de publi, grabaciones, etc. Al menos, como ya he mencionado antes, tenemos la ayuda y el apoyo de los sellos discográficos que han confiado en nosotros y gracias a todo esto podemos autogestionarnos. Pero he de decir que vivir de la música hoy en día es muy duro, sobre todo en un país como España donde se invierte apenas en cultura y la mayoría de músicos tenemos otros trabajos que nos dan de comer.


 "Creo que el formato físico hoy en día, y más  en el estilo tan de los 90’s que lleva nuestra banda, es fundamental. A mí personalmente me encanta comprar los trabajos en físico de las bandas que me gustan". 

Foto: Ferao Studio.

—Estamos en una cuarentena a escala internacional, ¿cómo les afecta esto personalmente? ¿Qué rol creés que puede cumplir la comunidad musical?
—Pues nos afecta como a todos los músicos, cortándonos las alas. El no poder seguir con los bolos que teníamos planificados para la presentación de “Scarlet” ha sido una putada, pero también hay que ser positivo y pensar que al menos estamos sanos. Creo que la música juega un papel fundamental en nuestras vidas, tanto con pandemia como sin ella, al menos en mi caso. La música puede perfectamente hacerte salir de un momento de ansiedad o de tristeza o de hacerte “viajar” a otros lugares que añorabas o donde deseas estar. Para mí, la música es una vía de escape y por lo tanto algo muy importante para la salud mental y creo que deberíamos ser más conscientes de su importancia en nuestro país y no dejar que se hunda nunca.

—¿Qué música o bandas suelen escuchar en su tiempo libre?
—Escuchamos de todo un poco, la verdad. Desde sludge metal, doom, grunge, etc, hasta bandas de los 70´s y algunas actuales. Hace poco me ha dado por las mujeres de la Motown o compositoras de los 60´s y 70´s (cuánto tenemos que aprender de ellas...). Pero vamos que es según la temporada. Hay mucho por descubrir y todo puede aportar algo a tu manera de componer. El último disco que escuché fue el último trabajo de Dopelord, que nada tiene que ver con lo que acabo de decir (risas). Aún así, adoro cada vez más a Emma Ruth Rundle y por mis cascos en general últimamente suena mucho de Truly, Undersmile, Harvey Milk, King Dude, Sumac, Earth, Jamie Lenman, Chelsea Wolfe; compañeros de sello como Frayle, muchos clásicos de los 90’s como Alice In Chains, Soundgarden, Silverchair, Fugazi, Babes In Toyland, Melvins. Y a veces punk: Surfbort, Metz, Wipers, Bikini Kill. Nuevas bandas de riot grrrls como Skating Polly o Hands off Gretel... no sé, escuchamos mucha música a diario y es muy difícil resumirla. Últimamente también estoy muy pendiente de las bandas sonoras de películas y series. Hace tiempo quedé alucinada con la que Mogwai le hizo a la serie francesa “Les Revenants”.

—¿Qué planes tienen (o tenían) a corto y largo plazo para la banda?
—Pues por desgracia teníamos bastantes conciertos planificados que estamos suspendiendo a medida que pasan los meses. Conciertos de presentacion de “Scarlet” en España, los cuales algunos se han pospuesto para finales de año y otros no hemos concretado fecha. Y lo que más ilusión nos hacía es un tour europeo que teníamos planificado para finales de septiembre, el cual todavía no tenemos claro si podremos hacer, depende si España por esas fechas abre fronteras y nos deja salir a tocar, y si las salas de Europa nos lo permiten. También por supuesto seguiremos trabajando en el próximo disco de larga duración, esta vez con Oscar y Juanjo, (N. de R. Oscar Soler, Pyramidal; y Juanjo Ufarte, Grajo y The Dry Mouths) en baterías y bajos respectivamente, del cual ya hay bastantes cosas concretadas. También tenemos alguna que otra sorpresa visual y auditiva para estos meses de 2020.

—Para cerrar ¿algo que quieras comentar o decir a quienes los siguen en Argentina y Latinoamérica?
—Muchísimas gracias por esta entrevista. Estamos encantados con Subcultura y esperamos que algún día no muy lejano podamos organizar algo por Argentina y Latinoamérica ¡Nos encantaría visitar vuestra tierra y tocar allí!-
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