ÁLBUM & VIDEO PREMIERE | PABLO RECHE PRESENTA “EL MÁS ALLÁ”



Editó su música en sellos especializados de América Latina y Europa y participó de festivales de renombre como el Sónar, Mutek, Experimentaclub, LEM, entre otros. Su principal elemento estético-expresivo es el ruido, piezas sonoras basadas en grabaciones de campo, intervenidas y procesadas a través de sintetizadores y efectos, entre otros dispositivos. A 20 años de su primer disco “Gira”, charlamos con el ruidista Pablo Reche, pionero del noise, ambient y drone local, donde recorrimos su trayectoria desde sus inicios e influencias hasta confluir en su nuevo trabajo “El más allá”, lanzado digitalmente por Fuego Amigo Discos, y ahondar sobre el concepto, su método de trabajo y la comunión con el realizador Manuel Embalse.



Me gustaría comenzar hablando sobre tus inicios, ¿qué música escuchabas de chico y cómo llega el noise y derivados a tu vida? ¿Qué artistas hicieron sumergirte en este mundo?
De chico, como cualquier adolescente de mi generación que escuchaba música, escuchaba lo que pasaban en la radio en ese momento. Ahí uno va moldeando su gusto y empieza a seleccionar qué escuchar, qué investigar y qué dejar de lado. Estamos hablando en una época que no había internet, segunda mitad de los 80´s, entonces no estaba todo al alcance de un click, había que escuchar lo que pasaba la radio, y/o lo que uno podía conseguir por alguien del colegio o alguien más grande y/o pasarse algún cassette. De acá me gustaba Soda Stéreo, Fricción, La Sobrecarga, y en ese mismo momento The Cure e investigaba sus influencias. Recién un poco después llegó el noise, en algún momento a partir de Brian Eno y sus influencias, llegar a John Cage y de ahí a la música electrónica (Stockhausen) y electroacústica de los 60´s. El noise llegó de la mano del industrial con SPK, Throbbing Gristle, Einstürzende Neubauten y más tarde el noise puro, con tres nombres fundamentales: Merzbow, Whitehouse y Zbigniew Karkowski.

Empezaste a tocar a mediados/finales de los 90´s, ¿qué recordás de esa época pre-internet? ¿Qué lugares existían y qué artistas habitaban el circuito del noise y derivados?
Empecé a tocar o hacer mis primeros experimentos a mediados de los noventa, primero junto a Luis Marte, y luego con mi propio proyecto. Sentía que quería ir cada vez más en una línea experimental, que necesitaba profundizar. De allí mis primeros demos son del año 1994. Estoy hablando de demos caseros que en algún momento se los empecé a pasar a alguien referente o que creía que le podían interesar escuchar. Ya un par de años después, fue que consideré que ese o esos demos podían llegar ser un disco propio, en parte algunos de esos temas fueron luego a “Gira”, mi primer disco. Con respecto a los lugares o circuitos, no existía ninguno de "noise". En cuanto a los artista​s, estaba la generación anterior, los pioneros Quum y UXU, que vi y descubrí en ese momento, aunque quizás de Quum, que en esos años 90s hacía algo más tribal con percusión, yo prefería lo más experimental, que luego descubrí que habían hecho varios años antes, y lo mismo con Carlos Alonso UXU, que en ese momento hacía más canciones. Quum tenía cosas más cercanas a lo mío o lo que yo quería hacer, pero recién las conocí más tarde. Los Reynols empezaban también en ese momento, los veía, pero trabajaban más sobre instrumentos tradicionales como guitarra, bajo y batería y yo trabajaba con electrónica, con sintetizadores, samplers y pedales. No encontraba a nadie dentro del "circuito" que se manejara así con la veta más experimental. La música electrónica, contemporánea, que disfrutaba y compartía, estaba siempre más relacionada con el club, con el techno, el baile, de allí disfrutaba más de los que proponían una mezcla distinta, como Estupendo, Diego Vainer, Jorge Haro o Carola Bony.

Tu primer álbum es “Gira” de 2000, editado por el sello Gràcia Territori Sonor de Barcelona. ¿Cómo llegó tu música hasta allá? ¿Cómo fue esa experiencia de viajar para tocar en el Festival Sónar?
En junio se cumplen exactamente 20 años de la salida del disco, aunque ha sido grabado el año anterior y con algunos demos que te comentaba al principio, temas que fui haciendo entre el 95´ y el 99´. Después fui seleccionado algunos de esos temas más viejos que me gustaban y otros que fueron hechos durante el ´99. Para mí hacer un disco era algo complicado como concepto, totalmente distinto a lo que significa hoy en día hacerlo, o temas sueltos para después armar un disco. Yo tenía el concepto del disco del rock, y volvemos a hablar de época pre internet y del concepto de escuchar el disco entero, que tenga un comienzo y un final con un recorrido, esa era la idea y hacer eso llevaba mucho trabajo, más a mí que eran mis primeros trabajos y consideraba que no estaba seguro si estaba bien mostrarlo o si estaba interesante como un tema cerrado o simplemente un demo. Así que eso me llevó mucho tiempo de escuchar, de decidir y de descartar por supuesto también un montón de material. En esa época grabé un demo más o menos cerrado que fue muy parecido lo que fue “Gira”. Hice copias en cassette e intenté ver si se podía editar. No había internet, no se podía hacer un disco y subirlo al otro día, había que editarlo de una forma física: autoeditarlo o buscar que alguien lo hiciera. No se me pasaba la idea de editarlo yo, y no encontraba quien. A su vez, empecé a buscar sellos o contactos de afuera que me parecía que podían tener más interés en mi música de lo que pasaba acá. Empecé a enviarlo a algunos lugares de afuera, eso significaba mandar ese demo en cassette por correo y así lo habré enviado a tres o cuatro sellos, no recuerdo exactamente. Esto fue durante el 99´. Para la segunda mitad de ese año, me contestaron del sello Gràcia Territori Sonor que les interesaba el material, cómo había trabajado, que sí me parecía bien editarlo con ellos y ahí empezó todo: un par de idas y vueltas, de confirmar bien los temas, de hacer después un máster, enviarlo y a su vez ellos terminaron de hacerle un máster para la edición y el prensado del CD. Tuve que enviar el máster en DAT (N. del E. siglas de Digital Audio Tape, cinta de audio digital, parecido al cassette con una cinta magnética de 4mm), en esa época no existía, o por lo menos para mí, la computadora y trabajaba con una portaestudio de cassette, así que el máster pasó de ahí a un DAT que fue enviado por correo a España, que fue el que ellos terminaron masterizando y editando. El director del sello era el querido Víctor Nubla, una persona conocida desde siempre por ser uno de los integrantes del grupo seminal de la experimentación de España y Barcelona, Macromassa. Él conocía gente del Sónar, algunos artistas de su sello invitaban y tocaban en ese festival. Les interesó mi material y me invitaron a tocar ese año, un mes después de la salida del disco.


¿Cómo ves ese trabajo en retrospectiva? Cómo definirías ese sonido inicial de tu carrera y si encontrás alguna conexión entre “Gira” y “El Más Allá”, tu nuevo álbum.
Cuando veo trabajos anteriores, como “Gira” y comparo con las cosas que estoy haciendo, con los trabajos más nuevos, hay puntos de contacto que encuentro, que siguen manteniéndose hasta hoy y hay otros que totalmente ya no haría. Hay formas de mezclar, de editar o de comenzar o determinar temas que no haría hoy, que no hago ya desde hace tiempo y hay cosas y procedimientos que son las mismas, con la diferencia de que durante estos años fui puliendo ese estilo o esa forma de trabajo.

Hablemos del disco nuevo. ¿Por qué decidiste llamarlo así? ¿Tiene algún eje o disparador conceptual?
Tanto el nombre del disco como los nombres de los temas me surgen cuando los estoy haciendo, a raíz de lo que va saliendo. Empiezo a trabajar con algunas bases y por lo general trato de tener como un concepto de disco o alguna idea conceptual. Por eso tengo trabajos que van más hacia el noise puro o hacia el drone y otros que van más hacia el ambient drone, como yo definiría “El más allá”, con mi estilo. El nombre del disco tiene que ver con que siempre en todos mis trabajos, y en este también lo siento con muchos temas, veo que hay que ir más allá de lo que se oye primeramente. Me pasa también con mucha de la música que disfruto, que en una primera escucha, uno nota ciertas cosas y este tipo de música exige atención por el tipo de estructura, por cómo está hecha, donde no hay una canción, un estribillo, entonces hay que meterse básicamente en el sonido. Con artistas del estilo que disfruto con cada escucha siempre encuentro cosas nuevas, más allá de lo que me pareció que había en un primer momento. Creo que “El más allá” era como un nombre pintoresco para darle al concepto del álbum.

Contanos cómo fue el proceso creativo y artístico para construir los tracks ¿Cuáles son las fuentes sonoras que elegiste y qué tipo de intervención realizaste?
Para el proceso creativo de los temas, discos o tracks para un compilado, mi método de trabajo es empezar sobre una base sonora, lo que se denominaría un colchón. Por lo general, suele proceder de alguna grabación que hago que no tiene tanto que ver con el concepto de field recording, como grabar el sonido del agua, lluvia, pajaritos o naturaleza sino frotar maderas, chapas, plásticos o distintas clases de objetos para conseguir una textura sonora. Eso también lo mezclo con loops que puedo tomar de distintos lugares y con algunos acordes de sintetizador. Siempre trato de crear como un colchón después de un montón de bases, colchones y grabaciones que hago y que descarto. Después de escucharlo un montón de veces, cuando siento que alguna tiene como un sonido particular que me llama la atención y que me indica que le puedo sumar otros sonidos que creen algo interesante, es cuando empiezo a armar el entramado de los tracks, capas sobre capas.

¿Qué dispositivos, software, recursos, pedales, micrófonos utilizaste para este nuevo trabajo?
Para las bases utilicé Ipad, micrófonos de contacto, y el grabador Olympus LS-10 para registrar algunas muestras de sonidos, luego pedal Nux Loop Core, pedal Boss Dd-7, pedal Digitech DigiDelay, Alesis Nanoverb y sintetizador Korg Monotron y Monotron Delay, para los procesos.

"(...) este tipo de música exige atención por el tipo de estructura, por cómo está hecha, donde no hay una canción, un estribillo, entonces hay que meterse básicamente en el sonido".


Cuando estás armando un tema o disco, ¿pensás en qué sensaciones o experiencias querés que el escucha transite?
Las sensaciones y las experiencias que me pasan a mí cuando estoy creando un tema, un disco, son las que me encantaría que le pase, escuche o disfrute la gente pero quizá no es idéntica. Muchas veces a mí me producen unas sensaciones de placer algo que a otra persona le puede producir una sensación contraria. Un “ruido molesto” para alguien, a mí me puede producir una sensación de placer total y sobre eso, desarrollo un concepto para luego terminar un tema.

En muchas ocasiones, las performances sonoras suelen estar acompañadas de artistas que generan visuales y, en este caso, estrenás nuevo álbum junto a un video a cargo del realizador audiovisual Manuel Embalse. ¿Cómo se dio esta comunión de trabajar juntos? ¿Qué importancia le das a este recurso?
Desde hace mucho tiempo, que la música experimental o electrónica, suele utilizar artistas visuales para acompañar sus producciones y/o conciertos. En mi caso, no es algo que planteo como una forma de trabajo o específicamente pensándola en simultáneo para con el video (como por ejemplo, sí en el proyecto que tenemos con Diego Scagni, que trabajamos desde cero ambos a la vez), sino que sí en ciertas circunstancias o ciertas presentaciones o ciclos, convocan artistas visuales o me ofrecen que algún artista visual me acompañe, y me encanta cuando siento que puede representarme bien, me pasó con muchos de los que he trabajado y me siento cómodo, pero puntualmente para ese momento, no es algo que esté compuesto de antemano entre ambos. Para este disco, en el caso de Manuel, lo conozco desde hace un tiempo y me gusta mucho su trabajo, pero la idea no fue mía sino de los chicos del sello Fuego Amigo. Ellos le dan importancia a muchas cosas y cuando les pasé el disco, me propusieron lanzarlo en conjunto con un video que lo acompañara y les dije que sí. Ellos pensaron en Manuel, me lo propusieron y me encantó la idea. Manuel escuchó el material y me preguntó algunas cosas, pero trabajó libremente en el concepto que él sentía que mejor podía plasmar esa música y que finalmente consiguió.

Sos un artista muy prolífico, tenés material editado en Latinoamérica y Europa por un montón de sellos especializados distintos, y también son distintos los discos: podemos encontrar ambient, industrial, noise, harsh noise, drone, ¿hay alguna variante que te queda por experimentar o profundizar?
Desde que empecé a fines de los 90´s y desde mi primer disco oficial que sería “Gira”, edité un montón de material y mucho más también en distintos compilados de todos lados. Muchas veces se dio de sellos que me contactaron y muchas otras yo los contacto porque creo que podría interesarles tal tema o material para la serie que están en públicando, porque me sentiría cómodo con ese estilo. En este sentido, como decís, hay industrial, ambient, noise, harsh noise, drone, yo siento que algunas cosas mezclan todo eso, pero por lo general trato de hacer discos más que van por el ambient drone, como le digo yo, otros que son más noise electroacústicos digitales y otros que son más harsh noise puro. Como en esos tres estilos los definiría y por lo general, trato de trabajar en un material específicamente hacia alguno de estos, que por supuesto, quizás para alguien pueden resultar similares.

"(La base sonora) suele proceder de alguna grabación que hago que no tiene tanto que ver con el concepto de field recording, como grabar el sonido del agua, lluvia, pajaritos o naturaleza sino frotar maderas, chapas, plásticos o distintas clases de objetos para conseguir una textura sonora".


¿Qué artistas estás escuchando últimamente?
Siempre estoy escuchando mucha música, tanto nueva, como vieja, pero te puedo mencionar discos que escuché me gustaron mucho, de los últimos que salieron: de acá, Existen Z "Nada", Entidad Animada "Aplanando la curva" y Federico Durand "Alba"; de afuera, Thomas Köner "Motus", Atom™ "<3", y Hans-Joachim Roedelius "Tape Archive Essence 1973-1978".

“El arte de los ruidos” es un manifiesto futurista escrito en 1913 por el artista italiano Luigi Russolo, donde, entre otras cuestiones, habla de considerar como arte a los sonidos de la vida cotidiana. ¿Cuánto crees que hay en tu música de movimientos artísticos disruptivos como el futurismo, nihilismo, dadaísmo y surrealismo?
Todo tiene que ver, todo es el arte de los ruidos, Russolo, el futurismo y los movimientos que vinieron a partir de ahí, como bien decís, el dadaísmo, surrealismo y después el nihilismo. Todo tiene que ver y desde desde que lo conocí desde temprana edad, cuando empezaba con esto, el futurismo fue muy importante. Recién años después pude llegar al libro y conocer mejor las distintas influencias que ellos causaron en todo lo que vino después a partir de básicamente, la música industrial.

Si la lectura de esta entrevista llegase a motivar a algunas personas a adentrarse en el mundo del noise y derivados, ¿qué instrumentos, dispositivos, efectos básicos tendría que conseguir?
Con un celular hoy en día podés hacerlo y con montón de apps. Todos copiamos, yo incluido, y todo está inventado pero me parece que lo más importante es concentrarse en desarrollar un sonido, una estética, que puede también que tenga que ver con algún tipo de elección de instrumentos que te dé un tipo de sonido más particular o distintivo y con eso tratar de crear algo más personal. Desde una computadora, un celular hasta pedales y cualquier clase de instrumento, micrófonos y hasta la voz, todos sirven para hacer noise, el tema es cómo mezclar y procesar todos esos sonidos y crear un resultado que uno sienta que valga la pena y que también sea personal.

Pablo, muchas gracias por tu tiempo, buena predisposición y por compartir tu música y saberes con nosotrxs, ¿algún mensaje final o algo que quieras decir que no pregunté?
Gracias a ustedes y todos los que se interesan en leer esta entrevista.-



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